Veinticuatro proyectos han sido los seleccionados este año para los XVII Encuentro de Arte Contemporáneo (EAC 2017), tres en grupo y veintiuno individuales, cuyas obras reflejan parte de las problemáticas de la sociedad contemporánea. Los temas son variados, al igual que sus correspondientes críticas y en los mismos, podemos encontrar obras que desaprueban la historia patriarcal inscrita en los cuerpos de las mujeres, las desapariciones forzadas en México, la crisis de los refugiados y de las refugiadas frente al silencio europeo, el ser humano frente a la destrucción de la naturaleza y el capitalismo devastador, además de lo bello y lo espiritual en el arte.

Escribir un artículo sobre los trabajos seleccionados que conformarán una exposición en el Museo de la Universidad de Alicante (MUA), supone una tarea grata y enriquecedora por la rica multiplicidad de temas y de debates, además de técnicas artísticas, que ponen sobre la mesa, las producciones de los y las artistas, junto con el porqué de la elección de un tema y no otro, la posición que han tomado frente a determinados debates, la complejidad de sus trabajos y como no, de sus trayectorias. La complicada vivencia de la creación y de la creatividad, ha desembocado en un abanico amplio de posibilidades, a través de las cuales, se han podido deconstruir los grandes relatos omnipotentes, con la intención de hablarnos de diferentes preocupaciones que conforman a los sujetos posmodernos y sus subjetividades. En definitiva, se ha creado un espacio de contemplación y de disfrute del arte, que nos va a permitir cambiar nuestra historia a través de diferentes proyecciones críticas sobre lo contemporáneo, puesto que el arte y la cultura, son esferas públicas en torno a reflexiones coyunturales políticas específicas.

-Feminismo(s)
El colectivo O.R.G.I.A formado por Beatriz Higón (Valencia, 1978), Carmen G. Muriana (Murcia, 1978) y por Tatiana Sentamans (Valencia, 1978), en el proyecto “Museo Natural de Historia. Dinastía de la pirámide invertida”, denuncia cómo la historia, al igual que todas las disciplinas, ha estado escrita desde el punto de vista patriarcal, heteronormativo, occidental y blanco. Considerada como una verdad absoluta, aquello que propone el colectivo O.R.G.I.A. es desde el punto de vista feminista, la deconstrucción de las relaciones de poder patriarcales establecidas desde la Antigüedad. Para ello, toman como punto de partida el Antiguo Egipto dominado por el dios Ra, el dios del sol, absoluto y todopoderoso. En la obra Egyptian First. Revisión del loto abierto del año 2014, el protagonismo ya no lo posee la flor de loto que en el Antiguo Egipto aparece como elemento decorativo en las artes, sinónimo del renacer de las aguas. La flor de loto, que también aparece en las coronas de los faraones del Alto Egipto, representa la creación del Universo creada por el dios Ra y lo que nos propone el colectivo O.R.G.I.A. es revisar el principio creador universal masculino. Para ello, a través de revisiones arqueológicas inventadas, nos propone unas flores de loto abiertas que decoran ajuares funerarios pero, “abiertas” para el placer sexual. El ajuar funerario para petite mort o pequeña muerte, expresión francesa que hace referencia al periodo de pérdida de consciencia al llegar al orgasmo, nos habla de cómo el pene ha pasado a convertirse en un dildo, en un objeto de plástico para dar placer, subvirtiéndose el principio regulador del falo, y el del pene como soporte carnal del mismo, como ordenador privilegiado y exclusivo del orden simbólico heteropatriarcal. Frente al bodegón egipcio propuesto por el colectivo O.R.G.I.A, Daniel Tejero (Granada, 1973) en A contrapelo, nos propone unos bodegones atípicos rodeados por un aparente escenario de taller de artista, donde nuestra mirada, se convierte en la mirada escoptofílica propuesta por Laura Mulvey en Visual Pleasure and Narrative Cinema en 1975, en cuyo juego de apropiación, disección y reconceptualización, los objetos utilizados después de una sesión de BDSM, son reivindicados como generadores de sensaciones compartidas entre el artista y el espectador o la espectadora, y donde la visibilización de dichas prácticas, ajenas a la norma o consideradas un tabú, son el punto de partida de un discurso legible de efectos subversivos.

Tomando como referencia un lenguaje barroco, propio del siglo XVII y XVIII, María del Carmen Díez Muñoz (Valladolid, 1989) nos adentra en el mundo del grabado, una técnica artística controlada por el patriarcado, si tenemos en cuenta los realizados por Goya, donde las mujeres somos maltratadas o representadas como brujas entradas en años. A efectos del ayer y de hoy es una serie en la que las protagonistas son tríadas como si de deidades femeninas se tratara. Una de las más famosas representada por el pintor barroco Rubens, es la tríada de las Tres Gracias, cuya tradición representativa, se remonta, tanto en literatura como en las artes plásticas, a la Antigüedad griega y romana. Además de ser símbolo de la belleza, el amor, la fertilidad y la sexualidad, es tomada como referencia por la artista para presentar otro tipo de tríadas de mujeres, en este caso representando un bestiario que inaugura un proceso de rebelión dispuesto a subvertir el lenguaje y la mirada masculina, acompañado de expresiones misóginas propias del lenguaje patriarcal como -serán lagartas o menudas cerdas- cuyos significados peyorativos, dentro de una estructura de dominación, hieren (1). Por otra parte, Cálmate fiera! es otra instalación compuesta por veinte grabados sobre ménsulas de escayolas, cuyo cuerpo femenino se asemeja a las deidades clásicas femeninas con rostro propio de la imaginería animal. A lo largo de la historia, se ha considerado que las mujeres hemos estado cercanas a la naturaleza porque menstruamos y porque nuestro ciclo está regido por la luna. Pero hay que tener cuidado con esta identificación, pues por recurrir a este tipo de comparaciones o de similitudes que se entrelazan con los ciclos biológicos, se tiende a producir un discurso inmovilista que ha confinado a las mujeres a ser apartadas del transcurrir histórico, al ser identificadas por el patriarcado con la naturaleza, mientras que los hombres lo eran con la cultura. Pero la palabra naturaleza no debe ser interpretada según la definición dada por la cultura masculina, pues ésta nos identifica como malas y además con características animalescas negativas, salvo cuando nos sometemos a los papeles que se espera de nosotras (2).

-Crisis humanitarias
Una muestra de arte público es la que presenta el colectivo FAb Lab Alicante formado por Juan Carlos Castro Domínguez (Barcelona, 1972), Francisco de Juanes Rodríguez (Alicante, 1990) y Leandro Díaz Moreno (Alicante, 1990), a través del proyecto Reme. Refugio temporal itinerante que antes de su montaje en el MUA, itinerará por algunas de las calles de Alicante. La crisis de los refugiados y de las refugiadas es un problema de calado internacional que supone la mayor crisis humanitaria desde la II Guerra Mundial, pero que apenas preocupa a un 0.2% de la ciudadanía española, según los datos del barómetro del CIS del mes de marzo de este año, frente a la principal preocupación que es el paro. La violencia de género preocupa únicamente a un 3.4% de la población. El espacio público es un espacio ocupado por el patriarcado, por sus leyes y por sus normas. Invadirlo a través del efecto del shock, es lo que propone el colectivo FAb Lab Alicante, el cual se hará efectivo en el momento en el que la población (3) decida entrar al refugio temporal. Los campos de refugiados y de refugiadas en Grecia o Macedonia, son construcciones provisionales hasta que las personas puedan entrar definitivamente a los países miembros de la Unión. El problema del reparto de los refugiados y de las refugiadas que es aún residual, y la mirada hacia otra parte de la misma comunidad europea, ha hecho que estos edificios aparentemente provisionales, perduren en el tiempo, como las aulas prefabricadas o los mal llamados “barracones”. Este tipo de construcción low tech y low cost, suele ser de colores neutros, apagados y uniformes, además de fácilmente reconocibles por la ciudadanía. Por lo tanto, el colectivo FAb Lab Alicante, lo que propone es una construcción que invada las calles de la ciudad, cubierta por globos de colores que subviertan la mirada gris. El color, ofrece alegría y viveza, además de camuflar el servicio del edificio que no es otro que concienciar a la ciudadanía sobre la situación de los refugiados y de las refugiadas, pues al entrar en dicho refugio, lo que se encontrarán, serán imágenes de Lesbos y Calais tomadas por cooperantes y voluntariado de Alicante, quienes darán testimonio de lo allí vivido.

Los refugiados y las refugiadas han abandonado sus territorios de origen por conflictos armados y por vulneración de derechos humanos. Ignacio Chillón (Murcia, 1974) habla en su trabajo Subsoil Heroes de cómo las personas dejamos de lado nuestras miserias para realizar nuestros propios proyectos. Tras un año viviendo y trabajando en Doha, la capital de Catar, donde los contrastes culturales y económicos son evidentes, las huellas de la separación del territorio de origen, se transforman en soledad, en melancolía, pero también en desesperación al vivir en un país donde todavía se vulneran los derechos humanos, el mismo que se vanagloria por ser el país con mayor renta per cápita del planeta. En Qatar, las mujeres son víctimas de todo tipo de violencias machistas, cuya educación heteronormativa y patriarcal las justifica, según Jaber Kaltham (4), escritora y profesora de la Universidad de Qatar, quien denuncia la falta de leyes que protejan a la mujeres, y donde además, se vulneran los derechos de las personas que están trabajando en las instalaciones que albergarán el mundial de fútbol del 2022, según Amnistía Internacional.

-Arqueología de la memoria
Las construcciones forman parte de nuestra sociedad y también dicen quiénes somos y qué forma tenemos de relacionarnos con los demás. Las construcciones en los campos de refugiados y de refugiadas son de bajo coste y de una gran simplicidad geométrica. La arqueología del futuro estudiará también la sociedad que los decidió construir y por qué, al igual que la arqueología en la actualidad, no sólo se limita a descubrir los vestigios del pasado, sino también a “interpretar” los modos de vida de las sociedades pasadas. En la obra de Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987), encontramos una conexión entre la arquitectura del pasado y la arquitectura actual incluyendo una reflexión de dimensión terapéutica, a través de la cual, la artista compara el papel de la arqueología, en relación al rescate de la cultura material, con la labor curativa de sanar las experiencias pasadas, sepultadas en el olvido de las personas. Para ello, en Theoretical Reconstructions, la artista se sirve de la fusión de objetos o de edificios del pasado, con objetos y edificios del presente, estableciendo un paradigma comparativo, mostrando el pasado histórico como una persistencia en el presente, puesto que la vinculación con el mismo, es un hecho innegable de la condición humana. De manera análoga sucede en la historia del ser humano. Recordamos aquello que merece ser recordado frente a lo que preferimos olvidar, mientras que elevamos a la categoría de obra de arte, aquello que consideramos, posee una calidad estética o sublime que en la mayoría de las ocasiones, puede ser conservada en los museos.

Cenizas es una instalación de Joaquín Artime (Santa Cruz de Tenerife, 1984) compuesta por treinta poemas escritos en papel de liar, obteniendo, después, treinta cigarrillos. Partiendo de una experiencia autobiográfica y traumática como es la de una ruptura sentimental, Joaquín Artime nos narra cómo a los treinta años empezó a fumar para acercarse a su pareja, sintiéndose, de esta manera, próximo a sus hábitos, a su manera de ser y de sentir. Las palabras, junto con los cigarrillos, se desvanecen, metáfora de lo que pudo haber sido y no fue, dejando atrás, como efecto de catarsis, la purificación de las pasiones y la liberación, sanación o eliminación de sentimientos dolorosos, anclados en una relación tóxica.

Alejandra de la Torre (Castellón, 1973) crea vínculos especiales con los objetos que conforman su vida. La primera vez que se percató de dicho vínculo especial, fue cuando cambió el sentimiento de rechazo hacia las figurillas que su abuela tenía en un estante. De esta anécdota surge su trabajo Grow up (Crecer) donde a través de tres instalaciones (Infancia, Folder y Herencia), se invita al espectador y a la espectadora a identificarse con los objetos cotidianos, encontrados en diferentes rastros a los que acude la artista y que forman también parte de nuestra vida, con la intención de recordar, reflexionar y redescubrir aquello pasado, pero también presente en nuestras vidas.

Los objetos también son importantes en la obra del mexicano Yoshimar Tello (Tepic, Nayarit, 1989) titulada Línea de horizonte, pero en este caso, el objeto es un pupitre, un pupitre vacío que conforma una pintura en movimiento, cuya presencia extinguida nos habla de desapariciones forzadas en un país como es México, que posee niveles similares a países en guerra como es el caso de Siria (5). El 26 de septiembre del año 2014, la opinión internacional se escandalizaba tras la noticia que desde México ocupaba todos los titulares: la desaparición forzada y posterior masacre de 43 estudiantes de magisterio egresados de la Escuela Rural Normal en la población de Ayotzinapa, estado de Guerrero, un estado mexicano que arrastra una larga historia de pobreza, violencia y caciquismo. En la ciudad de Iguala, a donde llegaron los normalistas a manifestarse en favor de su escuela, fueron atacados con la misma saña con la que el narco asesina a miembros de cárteles rivales. La operación de exterminio concluyó con la quema y la posterior desaparición de los cadáveres de los normalistas en el basurero de Colula, al mismo tiempo que el miedo se apoderaba de este estado mexicano (6).

-Fundamentos apropiacionistas
En la serie Siempre digo lo mismo. Siempre digo lo mismo de María Caro (Linares, 1968), la fotografía, como una de las herramientas artísticas contemporáneas, construye una investigación sobre el tipo de narración filosófica y científica en la que la artista ha buscado enunciados abstractos, en cuyas imágenes, nos podamos ver reflejados y reflejadas, puesto que como bien ella comenta, una imagen necesita voluntad evocativa por parte de quien la mira, para materializar sus posibilidades narrativo-icónicas, las cuales nos ayuden a construir un relato. Bajo el título Found Paintings, Elena Rato (Oviedo, 1979), basándose en el expresionismo abstracto, corriente pictórica de la que se confiesa deudora, se apropia de imágenes encontradas en diferentes ámbitos como pueden ser fotografías de prensa o fragmentos de vallas publicitarias, para desarrollar un lenguaje plástico, anclado en términos posmodernos, donde el negro, a modo de maraña, es el protagonista de todas sus piezas, donde la estética de la nada, que por otra parte es sinónimo de deconstrucción, genera nuevas estructuras o conceptos que saltan más allá de sus límites, mediante una puesta en escena minuciosa, que simula ser pintura y expresión. El apropiacionismo también está presente en el trabajo de José Antonio Reyes (Sevilla, 1976) quien en su proyecto Bête comme un peintre les otorga un carácter minimalista a sus objetos encontrados a lo Marcel Duchamp, cargados de sentido del humor y de ironía en sus títulos, con la finalidad de burlarse de los tradicionalismos y convencionalismos heredados del pasado que rodean al mundo del arte.

-Ecosistemas contemporáneos
El espacio vertebrador del trabajo de Raquel Mora (Aranjuez, 1970), consiste en mostrar sus Paradojas ecosistémicas surgidas tras el proceso antropogénico en la naturaleza, es decir, los efectos producidos por las actividades humanas en el medio ambiente, lo que desembocará en la creación de unos nuevos ecosistemas acompañados por una mirada que busca expandirse a través del humor y de la ironía. La misma, que también está presente en el trabajo de Javier Ayuso (Madrid, 1981) en La paradoja de Kempel, que no del filósofo de la ciencia Carl Hempel, quien mostró que la idea de confirmación empírica, encierra una curiosa paradoja. Según Javier Ayuso, La paradoja de Kempel no aborda temas de rabiosa actualidad ni está inspirada en el mito de la Caverna de Platón, todo lo contrario, pues es un ejercicio plástico introspectivo elaborado desde la necesidad de trabajar aislado del mundo y de sus influencias, donde la combinación de luces y formas, da como resultado obras plásticas y surrealistas.

El ecosistema contemporáneo de Jorge Conde (Barcelona, 1969), es la ciudad de Roma y el proceso de gentrificación a la que ha estado sometida. Su relato, está formado por una instalación híbrida que lleva por título Roma non si vende integrada por una fotografía, una pieza sonora, una proyección muda y un libro de artista participativo, a través de la cual, aborda el impacto social y la repercusión que ha tenido sobre la ciudad eterna, la recuperación de edificios abandonados y entornos degradados, que en tiempos recientes, han sido transformados en instituciones culturales, reactivando zonas deprimidas de la capital italiana. De alguna manera lo que presenta en su trabajo es un proceso de gentrificación, término acuñado en los años sesenta del siglo XX por la socióloga Ruth Glass, para describir los cambios poblacionales, por ejemplo, que tenían lugar en grandes ciudades, cuyas áreas industriales, habían quedado absorbidas por la expansión de la ciudad, pasando a ser atractivas para un sector de la ciudadanía, en principio, con rentas mas elevadas. Si el trabajo de Jorge Conde supone, por tanto, la gentrificación urbana como la conversión en un entorno habitable para el ser humano, lo cual habla de ciudades aparentemente vivas y dinámicas, el trabajo de Iago Eireos (Lugo, 1980), nos introduce en Memoria del paisaje añadido, al concepto de nomadismo contemporáneo en la época de la globalización, con la intención de plantear nuevos imaginarios, memorias hipotéticas, desplazamientos posibles y contextualizaciones abiertas, como necesidad humana de entender y de representar nuestro entorno.

Por otra parte, Aurora Alcaide (Córdoba, 1975), nos habla de la relación del ser humano con la naturaleza, una relación que no siempre ha sido igualitaria, pero que entraña una repetición cíclica de dominio. Sus Paisajes enantrópicos, cuyo título persigue un juego de palabras entre la entropía, pérdida de orden en un sistema, y la antropía, presupuesto teórico por el cual todo el orden del universo se ha destinado a favorecer el desarrollo del ser humano, van más allá de estos conceptos, pues lo enantrópico supone permear todos aquellos territorios urbanizados que han sucumbido a alguna catástrofe natural, cuyo aparente orden (7), ha sido transformado, al campar de nuevo la naturaleza, sin presencia humana, generando una nueva estética de aparente caos primigenio. De ese caos surgió Gea, la diosa primigenia griega que personifica la Tierra, según narra Hesíodo en la Teogonía. Mónica Jover (Alcoi, 1973) le rinde homenaje en su obra Pulverizando a Gea, a través de un lenguaje casi abstracto, donde lo primigenio y lo mistérico, cobran protagonismo. En su trabajo, la crítica está muy clara: la degradación de la naturaleza por parte del ser humano, un reflejo, de la falta de concienciación por parte de la acción humana, que ha producido efectos y alteraciones en los sistemas naturales, algunos de ellos irreversibles, cuyas heridas y decapitaciones, también quedan reflejadas y denunciadas en el trabajo The scars our cities leave on Earth (Heridas que nuestras ciudades dejan en la tierra) de Miguel Sbastida (Madrid, 1989).

David Trujillo (Granada, 1977) nos habla en su trabajo Cuentos hertzianos de tres historias en clave activista que nos indican cómo los avances comunicacionales y tecnológicos en el ámbito de lo inalámbrico, están produciendo cambios importantes de los cuales no somos conscientes, y cuya información, viaja a través de ondas hertzianas que atraviesan paredes, personas y objetos, imperceptibles e invisibles, las cuales sustentan en la actualidad, nuestro universo de telecomunicaciones y por tanto, la actual estructura de nuestro sistema socio-cultural. El sistema de comunicaciones en el cual vivimos, está saturado de información y de señales que en muchas ocasiones se convierten en indescifrables. Para el grupo B.Y.E., acrónimo de sus miembros Borja Moreno Farinós (Valencia, 1993), Chao-Yang Lee (Taiwan, 1979) y Esteban Ferrer Martínez (La Vall d´Uixó, 1993), y en su proyecto Nowhere Land (Tierra desconocida), dicha saturación de información es extrapolada al contexto del arte contemporáneo en forma de caos, a través de un tono irónico, digitalizando e imprimiendo imágenes de xilografías propias, combinadas con señales públicas y objetos reales. La necesidad de estar localizados, localizar y buscar direcciones en un mundo digitalizado controlado por el GPS, nos convierte en máquinas, en simples robots viviendo en ninguna parte.

-Densidades espirituales
La naturaleza es fuente también de energías telúricas en comunión con el cuerpo humano. Nuria Ferriol Molina (Valencia, 1969) en su obra Chevelures (cabellos en francés), rescata su forma más abstracta para recrear una naturaleza imaginada, transformada por el recuerdo, en una realidad fragmentada donde convive el paisaje interior y el exterior, cuya simbiosis, se centra en la relación entre las raíces y el cabello, envolviendo y escapando sutilmente del cuerpo, tejiendo una realidad paralela donde cobran protagonismo nuestros sueños, miedos y también enredos. La argentina Cecilia Lutufyan (Buenos Aires, 1973) en su proyecto de instalación Densidad ínfima, está interesada en investigar cómo un cuerpo con volumen y peso en un momento determinado, puede convertirse en invisible, en intangible, y bajo en qué circunstancias, el cuerpo que desaparece, puede ser percibido como real. Busca encontrar la forma de lo incorpóreo, ese fluido hipotético invisible que en el siglo XIX se llamaba éter, y que se consideraba que llenaba todo el espacio y constituía el medio transmisor de todas las manifestaciones de la energía, el cual era incorruptible y eterno.

Para Eder Sánchez (Vitoria, 1991) arquitecto y artista plástico, el arte es un equilibrio entre lo bello y lo espiritual. Entre la parte no visible y visible, entre la parte física y la parte mental, logrando trascender la conciencia, logrando una paz interior, que el propio artista consiguió meditando en India. Para Eder Sánchez, la geometría es sinónimo de espiritualidad, es una forma de encontrarse a sí mismo mediante la observación de la obra de arte. En dicha observación se basó Kandinsky en 1911 para publicar De lo espiritual en el arte donde abordaría la relación entre la obra de arte y entre la persona que la observara, una conexión que la primera, alimentaría el espíritu de la segunda, tal y como contempla el artista vasco, para quien el choque hipnótico de la contemplación, nos dejaría la mente en silencio.

Catorce mujeres artistas han sido las seleccionadas para participar en esta convocatoria. Quince han sido los hombres seleccionados, teniendo en cuenta que el grupo O.R.G.I.A está formado por tres mujeres, el grupo FAb-Lab Alicante por tres hombres y el grupo B.Y.E. por dos hombres y una mujer. Los discursos feministas suponen la subversión del orden social establecido, además de hacer efectivas las acciones positivas que demanda la Ley de Igualdad en su artículo 26, puesto que el carácter estructural del arte, está sustentado sobre una comunidad artística formada por hombres y mujeres, en cuyo encuentro, todos y todas, nos han dicho muchas cosas.


BIBLIOGRAFÍA

Alcaide Ramírez, Aurora: “Naturofagia: Un proyecto sobre el desencuentro con lo Otro”, en de Barañano Kosme y Escanero Pilar (eds.), Support/Surface. El sentido de la piel: soporte y develamiento. Ekfrasis & Scuoiatura, Fundación Cañada Blanch, Alicante, 2015, p. 203-244

Aranburu, Nekane; Solans, Piedad; de la Villa, Rocio (eds.): Mujeres en el sistema del arte en España, Mujeres en la Artes Visuales (MAV), EXIT Publicaciones, Madrid, 2012

Ballester Buigues, Irene: El cuerpo abierto. Representaciones extremas de la mujer en el arte contemporáneo, Editorial Trea, Gijón, 2012

Ballester Buigues, Irene: “Testimonios de cuerpos oprimidos. Dos visiones del arte feminista”, Feminicidio.net
http://www.feminicidio.net/articulo/testimonios-cuerpos-oprimidos-dos-visiones-del-arte-feminista
23-4-2017

Butler, Judith: Lenguaje, poder e identidad, Editorial Síntesis, Madrid, 2004

Danan, Debora: “Qatari columnist: arab, muslim worlds deny women´s rights granted by Koran”, Breitbart News, Londres, 24 de febrero de 2016
http://www.breitbart.com/middle-east/2016/02/24/qatari-columnist-arab-muslim-worlds-deny-womens-rights-granted-koran/
23-4-2017

Gallegos, Zorayda: “Los casos de desaparición forzada en México a nivel de Siria”, El País, 11 de mayo de 2016
http://internacional.elpais.com/internacional/2016/05/11/mexico/1462919615_741513.html
23-4-2017

Irigaray, Luce: El cuerpo a cuerpo con la madre. El otro género de la naturaleza. Otro modo de sentir. La sal edicions de les dones, Barcelona, 1985

López, Miguel A.: “Implicación y compromiso”, Crítica próxima, Díaz Bringas, Tamara (ed), Teorética, San José Costa Rica, 2016





1. Butler, Judith: Lenguaje, poder e identidad, Editorial Síntesis, Madrid, 2004, p. 55

2. Irigaray, Luce: El cuerpo a cuerpo con la madre. El otro género de la naturaleza. Otro modo de sentir. La sal edicions de les dones, Barcelona, 1985, p. 19.

3. CIS. Centro de Investigaciones Sociológicas. http://www.cis.es/cis/opencms/ES/index.html (23-4-2017)

4. Danan, Deborah: “Qatari columnist: Arab, Muslim worlds deny women´s rights granted by Koran”, Breitbart News, Londres, 24 de febrero de 2016
http://www.breitbart.com/middle-east/2016/02/24/qatari-columnist-arab-muslim-worlds-deny-womens-rights-granted-koran/ (23-4-2017)

5. Gallegos, Zorayda: “Los casos de desaparición forzada en México a nivel de Siria”, El País, 11 de mayo de 2016
http://internacional.elpais.com/internacional/2016/05/11/mexico/1462919615_741513.html (23-4-2017)

6. Ballester Buigues, Irene: “Testimonios de cuerpos oprimidos. Dos visiones del arte feminista”, Feminicidio.net
http://www.feminicidio.net/articulo/testimonios-cuerpos-oprimidos-dos-visiones-del-arte-feminista (23-4-2017)

7. Alcaide Ramírez, Aurora: “Naturofagia: Un proyecto sobre el desencuentro con lo Otro”, en de Barañano Kosme y Escanero Pilar (eds.), Support/Surface. El sentido de la piel: soporte y develamiento. Ekfrasis & Scuoiatura, Fundación Cañada Blanch, Alicante, 2015, p. 205.